Sandro Botticelli
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Patrick AULNAS
Autoportrait
Botticelli. Autoportrait présumé extrait de l'Adoration des Mages (v. 1475)
Tempera sur bois, Galerie des Offices, Florence.
Biographie
1444/45-1510
L'orfèvre
Sandro di Mariano Filipepi vient d'un milieu modeste. Son père était tanneur à Florence. Selon Giorgio Vasari, le jeune Sandro fut placé en apprentissage chez un orfèvre, ami de son père, qui portait le nom de Botticello. Il adopta ensuite le pseudonyme de Botticelli. Selon d'autres auteurs, botticello, qui signifie petit tonneau, est un surnom du frère du peintre, dû à sa corpulence.
Ce premier apprentissage en orfèvrerie laissera des traces sur le style de Botticelli : la précision du trait en est une des caractéristiques.
L'élève de Filippo Lippi
Le milieu des artisans est à cette époque en relation constante avec les peintres, les sculpteurs et les architectes pour la construction et la décoration des églises, couvents et palais. Le jeune Botticelli découvre la peinture, se passionne pour cet art et parvient à convaincre son père de le laisser poursuivre dans cette direction. Il rejoint alors, vers 1464, l'atelier de Filippo Lippi (1406-1469), moine défroqué et peintre de génie, auquel il empruntera beaucoup dans la première partie de sa carrière. Les sublimes madones de Lippi ont inspiré celles, tout aussi sublimes, de Botticelli.
La conquête de la renommée
En 1467, Lippi quitte Florence ; Botticelli doit alors voler de ses propres ailes. Il ouvre un atelier et diversifie sa production : en 1468, son Adoration des Mages (National Gallery de Londres) lui permet de se confronter à une composition complexe comportant de multiples personnages. A la même date le tribunal de Florence commande à Verrocchio (1435-1488), Pollaiuolo (1431-1496) et Botticelli diverses représentations des vertus destinées à figurer au-dessus des sièges des juges. Botticelli se voit attribuer La Force qui lui permet d'accéder à la célébrité dans la ville de Florence. Il bénéficie de la protection de la puissante famille Médicis et les commandes vont alors affluer : de nombreuses madones, plusieurs adorations des mages, des portraits. Son activité se poursuivra avec des fresques au début de la décennie 1480.
Le peintre humaniste, protégé des Médicis
Dans les grandes familles florentines de la fin du 15e siècle, la Renaissance artistique s'accompagne d'un goût pour l'Antiquité et d'une vision humaniste du monde qui dépasse le cadre étroit imposé par la religion chrétienne. Dans le domaine pictural, Botticelli sera l'interprète privilégié de cette tendance pour la puissante famille Médicis En 1482, il réalise l'une de ses composition les plus connues, Le Printemps, destinée à orner le palais du petit neveu de Cosme de Médicis (1389-1464), Lorenzo di Pierfrancesco (1463-1503).
Le printemps, détail (v. 1482)
Tempera sur bois, Galerie des Offices, Florence.
Vers 1485, La Naissance de Vénus renoue audacieusement avec la mythologie antique. Cette œuvre n'était pas destinée à être exposée publiquement mais à décorer une villa appartenant à la famille Médicis. Le goût pour l'Antique et l'audace des patriciens permettent alors à la nudité féminine de ne plus être, pour la première fois depuis le Moyen Âge, purement biblique (celle d'Ève).
Botticelli. La Naissance de Vénus (v. 1485)
Tempera sur toile, 172,5 × 278,5 cm, Galerie des Offices, Florence.
Botticelli et le fanatisme religieux
Dans la décennie 1490, une crise politique atteint la République de Florence. Après la conquête française de 1494, les Médicis sont écartés et Savonarole, un moine fanatique à la limite de la folie, s'empare du pouvoir. Il exècre par-dessus tout l'humanisme des grands patriciens et cherche à établir un ordre moral d'inspiration chrétienne. Sur les bûchers des vanités sont brûlés quantités d'objets jugés licencieux : livres, tableaux, miroirs, robes, etc. Ces excès amèneront l'Église à s'écarter de Savonarole en l'accusant d'hérésie. Il sera finalement brûlé en place publique en 1498. Cette crise morale et politique atteint profondément Botticelli et elle entraînera une réorientation thématique de sa peinture. Il fut contraint par les sbires de Savonarole de porter lui-même certains de ses nus féminins au bûcher des vanités et n'en peignit plus par la suite.
Son œuvre prend alors une orientation tourmentée, voire mystique. Vers 1497, il peint une Crucifixion avec, à l'arrière-plan, la ville de Florence dans la tempête puis vers 1500, une Nativité mystique et une Adoration des Mages qui scellent définitivement le tournant vers les thèmes religieux les plus classiques.
Botticelli. La nativité mystique (v. 1500)
Tempera sur toile, 109 × 75 cm, National Gallery, Londres.
Une fin de vie solitaire et douloureuse puis l'oubli
Il semble bien qu'à la fin de sa vie, le grand Sandro Botticelli n'ait plus intéressé grand monde. Ne recevant plus de commande, infirme et donc incapable de travailler, il mourut seul et déjà démodé, puisque d'autres génies apparaissaient déjà : Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange. Voici ce que nous dit Giorgio Vasari (*) de la mort de Botticelli, en commettant une erreur sur la date de sa mort (1515 au lieu de 1510) :
« Dans sa vieillesse, il ne pouvait plus marcher qu'à l'aide de deux béquilles. Il mourut, infirme et décrépit, à l'âge de soixante-dix-huit ans. Il fut enseveli, l'an 1515, à Ognissanti de Florence. »
Après sa mort, Sandro Botticelli fut oublié pendant presque quatre siècles. C'est l'historien d'art britannique John Ruskin (1819-1900), mécène des préraphaélites, qui le redécouvre au 19e siècle. Marcel Proust sera ensuite un grand admirateur de Botticelli.
Œuvre
Un dessinateur prodige
Apprenti orfèvre puis élève de Filippo Lippi, Sandro Botticelli ne pouvait être qu'un prodigieux dessinateur. Giorgio Vasari (*) le souligne :
« Sandro fut un dessinateur hors du commun et bien des artistes s'ingénièrent à se procurer ses dessins. »
Il se situe donc dans la lignée des dessinateurs de Florence auxquels appartenait Andrea del Castagno (v. 1423-1457). Mais ce n'est pas le jeune Andrea, très proche de la monumentalité de Masaccio, qui annonce Botticelli, mais celui du Jeune David (v. 1450) qui privilégie la grâce et l'élégance. On conserve de Botticelli un certain nombre de dessins qui ont fait, dès le 15e siècle, l'admiration des collectionneurs : Allégorie de l'abondance (1480-85), Adoration du Christ (v. 1495) par exemple. Le dessin permet d'apprécier l'exceptionnelle singularité d'un artiste car il représente ce que son esprit capte du réel et transpose spontanément sur le papier avec ses mains. Les dessins de Botticelli sont déjà des chefs-d'œuvre.
L'élégance du trait, l'opalescence des coloris et la lumière cristalline
Le dessin sous-jacent apparaît toujours nettement dans la composition et c'est l'élégance du trait qui nous charme d'abord : Portrait d'une jeune femme (1480-85). Le dessinateur Botticelli n'a jamais utilisé la peinture à l'huile. Il se limite à la tempera sur bois et à la fresque. C'est dans la parfaite maîtrise de ces techniques traditionnelles que réside le secret de ses coloris tendres, tout en transparence, qu'il conservera du début à la fin de sa carrière : Vierge à l'Enfant avec un ange (1465-67), Vierge à l'Enfant avec deux anges, détail (v. 1490). Une lumière douce et cristalline, surgie de nulle part, vient apporter la touche d'irréel : Vénus et Mars (v. 1483), Le printemps, détail (v. 1482).
Botticelli. Vierge à l'Enfant avec deux anges, détail (v. 1490)
Tempera sur bois, diamètre 115 cm, Akademie der bildenden Künste, Vienne.
Un peintre de la beauté idéale
La recherche de la beauté idéale sera le grand défi des peintres de la Haute Renaissance (Raphaël, Vinci, Michel-Ange). Mais c'est Botticelli qui, le premier, est obsédé par cette quête. Il suffit d'observer les visages de ses personnages pour comprendre qu'il n'accepte pas de montrer les défauts (rides, cicatrices, inévitables imperfections). Pour les personnages mythologiques (La Naissance de Vénus, détail, v. 1485) ou religieux (La Madone du Magnificat, détail 2, v. 1481) cette idéalisation semble presque naturelle. Mais elle s'applique également aux portraits de contemporains (Portrait d'une jeune femme, après 1480). Le génie de l'artiste est alors de percevoir la beauté du monde et des êtres qui l'entourent mais de peindre au-delà encore de cette beauté perceptible pour faire partager un idéal. La peinture de Botticelli prend ainsi, en échappant au réel, une puissante dimension poétique.
Botticelli. Portrait d'une jeune femme (après 1480)
Tempera sur bois, 47,5 × 35 cm, Staatliche Museen, Berlin.
L'influence du néo-platonisme
Les grandes scènes de la mythologie antique peintes pour les Médicis (Le printemps, v. 1482, La Naissance de Vénus, v. 1485) représentent une approche nouvelle des thèmes antiques. Le Moyen Âge et le début du 15e siècle ne pouvaient s'inspirer des « dieux païens » qu'en les transposant dans l'univers chrétien : les philosophes devenaient les apôtres, Hercule correspondait à Samson. Botticelli est l'un des premiers peintres qui renoue avec une gestuelle, des poses inspirées des statues antiques. Il fallait la protection des Médicis, et en particulier celle de Laurent le Magnifique (1449-1492), pour oser ce qui pouvait être ressenti par certains comme un sacrilège. Laurent de Médicis, protecteur des arts et des écrivains, écrivain lui-même, eut pour précepteur Marsile Ficin (Marsilo Ficino, 1433-1499), philosophe humaniste qui dirigea l'Académie platonicienne de Florence fondée par Cosme de Médicis en 1459. Fervent admirateur de l'Antiquité grecque, traducteur en latin des grands penseurs grecs, Ficin tenta une synthèse du christianisme et du platonisme qui le conduisit à être accusé de sorcellerie par l'Église catholique. Il échappa de peu à l'Inquisition. Pour les néo-platoniciens, les mythologies antiques et chrétiennes formaient un tout ; ils pouvaient tout autant se référer à la « Vénus céleste » qu'à la Vierge Marie. Cette libération du carcan strictement chrétien autorise une interprétation généreuse de l'Histoire, un regard novateur sur l'aventure humaine analysée comme un continuum depuis la plus haute Antiquité. Il s'agit d'une renaissance de la pensée qui se libère du dogme chrétien. C'est à l'aune de cet arrière-plan intellectuel qu'il faut interpréter les grandes œuvres mythologiques de Botticelli. Le Retour de printemps et La Naissance de Vénus, thèmes porteurs d'avenir, constituent des allégories du syncrétisme néo-platonicien.
Madones
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Scènes religieuses
Nouveau Testament
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Ancien Testament
Le retour de Judith à Béthulie (v. 1472) |
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Ces deux tableaux de petites dimensions (31 × 25 cm) illustrent un épisode de l'Ancien Testament. Holopherne, général babylonien (ou assyrien), veut s'emparer de Béthulie, place forte de Judée. Il assiège la ville. L'eau commence à manquer. Judith, une jeune et belle femme pieuse, propose à Ozias, prince de la cité, de débarrasser la ville d'Holopherne. Elle se rend au camp de celui-ci et parvient à le convaincre qu'elle est prête à lui livrer les hébreux. Elle gagne ainsi sa confiance et, le quatrième soir, Holopherne donne un grand banquet auquel assiste Judith. A la fin du repas, elle reste seule avec Holopherne « effondré sur son lit, noyé dans le vin. » Judith sort alors son cimeterre et tranche la tête du général. Elle donne la tête à la servante qui la place dans sa besace et les deux femmes quittent le camp pour aller prier, comme elles le faisaient les soirs précédents. Mais elles retournent vers Béthulie (premier tableau). Les babyloniens ne découvriront qu'ensuite le cadavre d'Holopherne (deuxième tableau). Ces deux œuvres de jeunesse de Botticelli lui permettent d'affirmer sa maîtrise de l'utilisation des couleurs et de la représentation des gestes et des postures. La tonalité du second tableau (Holopherne) est plus sombre avec des nuances de rouge, de bleu et de blanc ; le corps décapité est très réaliste. Des critiques ont souligné le contraste entre le corps jeune d'Holopherne décapité et sa tête dans la besace portée par la servante (premier tableau), qui est celle d'un homme âgé. Mais il fallait privilégier la beauté idéalisée... |
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Allégories et mythologie antique
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Le printemps (v. 1482) |
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Le printemps, détail 2 (v. 1482) Cette composition célébrissime est une allégorie du printemps (c’est-à-dire de la renaissance de la nature), mais aussi, par ses personnages ambigus (chrétiens et antiques à la fois), un dépassement de la peinture religieuse soumise au dogme chrétien. Le néo-platonisme des Médicis a permis ce chef-d’œuvre qui n’aurait pas vu le jour, à cette époque d’inquisition catholique, sans l’appui des grands patriciens florentins. Au centre (en blanc et rouge) Vénus, déesse de l’amour, est un symbole de la régénération de la nature. Mais il est également possible d’interpréter cette figure comme celle de la Vierge. L’ambigüité est voulue et correspond à l’approche néo-platonicienne. A gauche de Vénus, les trois Grâces (voir aussi détail 1), déesses romaines personnifiant la vie. A l’extrême-gauche, en rouge, Mercure, le messager des dieux, chasse un nuage, c’est-à-dire le voile qui masque la vérité. A droite, trois personnages : Zéphyr, Chloris et Flore. Zéphyr, le vent d’ouest (en bleu), souffle sur la nymphe Chloris dont le visage exprime la surprise ou la peur. Après avoir été séduite par Zéphyr, elle devient Flore, la déesse du printemps au vêtement décoré de fleurs (voir aussi détail 2). Des interprétations diverses ont été données à cette allégorie du printemps, et l’on a même utilisé la psychanalyse ! Le printemps, la renaissance de la nature, l’amour, la sexualité. Tout cela peut évidemment s’enchaîner. Mais l’essentiel est tout simplement une image prodigieusement réussie de la vie et de la beauté. |
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Fresques de la chapelle Sixtine (1481-82)
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| Les fresques de la chapelle Sixtine à Rome comportent trois vastes tableaux d'environ 350 × 550 cm : Les tentations du Christ, Les scènes de la vie de Moïse et Le châtiment de Korah. Il s'agit d'épisodes de la tradition chrétienne représentés de façon narrative. Chaque tableau comporte ainsi plusieurs scènes habilement reliées entre elles par le peintre. Le sujet tourne autour de thèmes religieux récurrents : la tentation, la culpabilité, la vengeance divine. Les détails ci-dessus sont plus intéressants que les ensembles ; ils permettent d'apprécier la virtuosité du dessin et la maîtrise chromatique du grand peintre en devenir (Botticelli a alors 36 ans). | |
Histoire de Nastagio degli Onesti (v. 1483)
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Tempera sur bois, 83 × 138 cm (épisodes 1 et 2), 83 × 142 cm (épisodes 3 et 4), |
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| Ces quatre tableaux ont été commandés par Laurent de Médicis, dit le Magnifique (1449-1492), afin d'être offerts à Giannozzo Pucci et Lucrezia Bini comme cadeau de mariage. Nastagio degli Onesti est un personnage du Décaméron de Boccace (1313-1375) dont l'histoire se situe à Ravenne. Nastagio est amoureux d'une dame qui repousse ses avances. Il erre tristement dans une forêt proche de Ravenne et rencontre soudainement une femme poursuivie par un cavalier et agressée par ses chiens (épisode 1). Chez Boccace, le cavalier explique à Nastagio qu'il s'est suicidé parce que cette femme se refusait à lui. Il est désormais condamné à la poursuivre chaque vendredi, à la tuer, à lui arracher les entrailles et à les donner à manger à ses chiens. La femme ressuscite alors aussitôt et la scène recommence chaque vendredi (épisode 2 : au premier plan, le cavalier extrait les entrailles de la femme ; à l'arrière-plan, la femme est ressuscitée et à nouveau poursuivie). Nastagio a alors une idée : il invite ses amis, et celle qu'il aime en vain, à un banquet dans la forêt où se déroule la poursuite. Il espère fléchir la dame de ses pensées en lui montrant le spectacle de cette punition répétée indéfiniment (épisode 3). La dame, effrayée par le châtiment probable, accepte de se marier avec Nastagio et un banquet de noces est organisé (épisode 4). Les trois premiers tableaux représentent des scènes oniriques sous forme narrative ; ils sont dominés par le mouvement et la nature. Le quatrième tableau se caractérise par sa monumentalité et le caractère statique de la composition : c'est un retour au réel. Cette histoire constitue une allégorie du « purgatoire » des chrétiens : ceux qui ont commis des péchés devront les racheter par une longue punition. Ce qui nous heurte aujourd'hui est le message sous-jacent : la femme doit se soumettre et accepter le mari qu'on lui destine. A l'époque, évidemment, la morale chrétienne tenait cette règle pour évidente. |
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Portraits
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Dessins
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(*) Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes (première édition 1550, remaniée en 1568)
Commentaires
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- 1. Godefroy Dang Nguyen Le 10/06/2020
Merci pour ce dossier encore une fois très complet et très clair. Même si on connaît l'histoire de l'Art, on découvre toujours quelque chose en vous lisant. C'est très réjouissant! -
- 2. ROH Le 24/03/2018
Bonjour,
Étant trois jeunes personnes non genrés fan du grand maître de la Renaissance de la peinture, votre site nous a particulièrement plu et sommes en admiration devant votre travail. Nous vous remercions donc confrère rivage de bohème et nous espérons pouvoir vous recroiser à nouveau.
Milles baisers -
- 3. PHIM Le 15/03/2018
Bonjour,
J'ai épinglé votre site dans mes favoris tant il est interessant pour sa riche documentation et la pertinence de son auteur.
Je vous soumets cette étude symbolique sur le tableau de "la naissance de vénus" qui peut amener quelques éléments d'information sur sa construction cachée.
http://www.phim-sculpture.com/?p=3725
Cordialement
PHIM -
- 4. hugongerard Le 31/12/2017
N ' avait-il pas été l ' élève de Verrocchio ? , il me semble pourtant d ' après ce que j ' ai lu dans sa biographie . -
- 5. Gendre Philippe Le 25/02/2017
Bravo pour l'ensemble de votre site qui s'avère très complet et qui présente sur chaque item un exposé clair et précis -
- 6. Josy Mikusinski Le 16/05/2016
Merci très très beau
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